IV Semana del libro: “Antártida” de Claire Keegan, por Dídac.

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Antártida

Claire Keegan

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Es el primer libro de la irlandesa Claire Keegan, autora nacida en County Wicklow, 1968. Se trata de un conjunto de relatos ambientados en las tierras rurales de Irlanda o en el sur de Estados Unidos -en este caso, nunca muy lejos de Nueva Orleans-. La mayoría de los relatos aborda, con insistencia y desde ángulos que se distorsionan levemente cuento a cuento, un solo asunto: la forma en la que luego de una vida de dominación y represión masculina (aquí hay que aclarar que esa “represión masculina” puede ser ejercida también por mujeres como reproductoras de un esquema tradicional). Otorga papel protagonista a la narradora, toma una decisión consciente o no, y desbarata el orden que la encierra mediante un acto, concreto o simbólico, de consecuencias impredecibles. Puede que se transmita la sensación por lo dicho en esta reseña que ese es un esquema demasiado simple para cimentar un libro de quince relatos, pero la verdad es que Keegan consigue amurallar con solidez algo que podría haber sido una irremediable debilidad, pues a través de la sutil variación de su mirada acaba por plasmar una sensación mucho más cercana a la que puede provocar la lectura de una novela, estaríamos ante una sucesión de veladuras un…. capa por capa.

Conforme se avanza en la lectura, resulta de gran evidencia que estos relatos no están creados para ser leídos por separado -aunque “Hermanas”, “Antártida” o “Quemaduras” posean un alto valor autónomo-. Estamos ante grandes cuentos en la forma y en el fondo. Pero la línea de continuidad invita a una lectura que permite apoyarse unos a otros y funcionar como una orquesta.

Los relatos rurales fraguan su ambientación en los años 70 y 80. Keegan utiliza como personaje y voz, la de una niña a punto de entrar en la pubertad. Los decorados son: las esforzadas faenas diarias, la enigmática figura autoritaria del padre, la sumisión materna, los privilegios de los hermanos varones, el aislamiento; son el escenario de la acción; la chispa que la desencadena: la violencia, la muerte, el sexo, la locura (así lo refleja la reseña de la propia autora). Es imposible saber cuánto de primera persona tomado de una visión del yo por Keegan hay en estos relatos, pero el espíritu de esas historias que han llegado a nosotros por su libro, hace una inmejorable visión contemplativa de otros puntos de vista de las sociedades.

No estamos ante re-elaboraciones de otras maneras de escribir. Simplemente la autora nos constata una situación y la manera de moverse ante ella de los protagonistas “los buenos y los malos” de re-encauzar cierta fuerza primordial: todo el tiempo pasan cosas malas lejos de la luz. Esto es especialmente claro en “Antártida”, “El olor del invierno”, “La cajera que canta” y “Sopa de pasaporte”. En cierta manera evoca aquel concepto folclórico del bosque en cuyo centro está la casa de la bruja y el cubil del lobo. Dicen los críticos: En los cuentos de Keegan, los personajes pueden entrar al bosque con estúpida inocencia o estar en el bosque sin darse cuenta siquiera. Ante esta situación, el lector tiene opciones de menor calado filosófico, como “Suba si se anima” o “Nombre raro para un niño”, relatos no exentos de tensión pero más directos en causa y efecto.

Yo he leído la edición francesa, por lo que los títulos los he buscado en la edición en Castellano. No lo he encontrado editado en España al menos no me consta, pero si una edición en Argentina, de ella he extraído los datos ya que la mayoría en esta semana del libro hablamos y conocemos la lengua de Cervantes como decían los Profesores del XIX.

Título original: Antártica
Traductor: Jorge Fondebrider.
Eterna Cadencia Editora, Buenos Aires, 2009.

IV Semana del libro: “La Intemperie” de Jesús Carrasco.

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“A pesar de haberse echado a un par de metros del pastor, a la mañana siguiente el chico se despertó pegado al cuerpo quieto del viejo. La ininterrumpida claridad del llano le abrió los ojos y lo primero que sintió fue el apestoso halo de podredumbre que rodeaba al hombre, tan intenso como el suyo propio pero menos conocido.”

Es un pequeño extracto de “Intemperie” de Jesús Carrasco. Es una de las novelas triunfadores de la literatura española del año 2013. Y la verdad es que me sorprende que lo haya hecho de forma tan rotunda, porque a mí al menos, no me parece una novela fácil.

¿De qué va?

Pues va de podredumbre, como marca ese extracto. Va de miedo. Va de injusticia. Va de violencia. Una violencia sorda, inabarcable, que está en cada brizna de aire que respiran los protagonistas. Esa violencia que encoge el corazón, que te hace pensar en dimitir irrevocablemente de ser humano. Es una novela dura, como los páramos dónde transcurren, secos, solitarios, abandonados en muchos casos.

Es un niño que huye. Huye desesperado pensando que cualquier cosa es mejor que lo que tiene en casa. Huye buscando libertad, aunque la libertad para él tiene un precio que no todos pagarían. Se encuentra con un pastor viejo. Un hombre parco en palabras y nulo expresando cualquier tipo de sentimiento. Quizás porque estos desaparecieron de su existencia el día que nació y abrió los ojos, y se encontró de bruces con ese páramo desolado que la providencia le había reservado como escenario de sus andanzas.

El viejo no pregunta pero intuye. El niño no habla, porque el viejo no pregunta. Pero los dos saben. Saben que deben huir.

Decía antes que no es una novela fácil. No lo es porque es dura. Es violenta, aunque no de la forma a la que las nuevas formas narrativas nos ha acostumbrado. Está ambientada en el campo, por lo que la descripciones están plagadas de útiles y aperos que han desaparecido de nuestro vocabulario hace mucho tiempo. Del mío al menos. Es una buena forma de recuperar el uso del diccionario. Esto la verdad es que me hizo perder a veces un poco el ritmo de la narración. Pero es una falla mía. Quizás no me hizo gracia descubrir mi pobreza de vocabulario.

También me sorprende su éxito porque no es una narración que me parezca moderna. Habla encima del campo, de la tierra, del sol, de las cabras, de la pobreza extrema, de la sed, del hambre. NO es una narración que siga los cánones por los que parecen que se decantan los que escriben y los que leen. No es una novela que te explique todo, debes imaginar, debes… crear una parte de la historia. Es una narración que usa mucho de la descripción, cosa que a todos no gusta, entre ellos a mí. Pero en este caso, la descripción es necesaria, porque uno de los personajes principales, a parte del niño y el pastor, es la tierra desértica.

Tengo sentimientos encontrados a la hora de hablar de esta obra. Por un lado, esas descripciones, ese vocabulario que me resultaba desconocido, ha hecho que no me sumergiera del todo en sus líneas. Por otro lado, esa misma forma de narrar me ha llenado, por no mostrar todo, por dejarte que también pongas tu grano de arena. Durante unas páginas, parece que no va a pasar nada. Tampoco hubiera sido nada extraño, quiero decir, que por mucho que me resultara pesado, simplemente el páramo o estepa o llano en el que transcurre la historia, es en si mismo una historia.

Pero luego llega. Luego pasan cosas. Cosas duras. Malas. Aparecen otros personajes.

Si tuviera, se me acaba de ocurrir, si tuviera que definir el aire que se respira, sería parecido al de un western de Sergio Leone, con Clint Eastwood cociéndose en el desierto de Almería.

Creo que deberíais echar un vistazo a esta novela. Eso sí, Sonia, a ti no te conviene.

“Cuando despertó, el sol estaba en todo lo alto. La dura luz cenital atravesaba su tejadillo de ramas iluminando débilmente sus rodillas con agujas en las que flotaba el polvo. Percibió el entumecimiento de ss músculos nada más abrir los ojos y pensó que era precisamente su cuerpo quien había puesto fin a su sueño”.

Título: La Intemperie

Autor: Jesús Carrasco

Editorial: Seix Barral.

Nº páginas: 224.

IV Semana del libro: “El buen nombre” de Jhumpa Lahiri, por Virginia.

El buen nombre, Jhumpa Lahiri

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Título: El buen nombre.

Autora: Jhumpa Lahiri

Título Original:The Namesake

Editorial: Emecé

Año publicación: 2004

Traductor: Benito Fernández.

Nº Páginas: 368

Jhumpa Lahiri nació en Londres en 1967. Sus padres eran universitarios de Calcuta, que emigraron a Londres y posteriormente se trasladaron a Estados Unidos cuando ella tenía dos años.

Lahiri creció en Kingston , Rhode Island, donde su padre Amar Lahiri trabajaba como bibliotecario en la Universidad de Rhode Island.

Jhumpa Lairi se siente americana, aunque su madre procuró siempre que sus sus hijos no perdieran el contacto con su herencia bengalí.

Estas circunstancias de su vida han inspirado la temática de sus relatos y novelas, y “El buen nombre” no es una excepción.

Se nota que las historias que cuenta las conoce muy bien, de primera mano, pues nos habla sobre los conflictos que surgen entre las costumbres y tradiciones culturales aprendidas de los padres y la nueva vida de los hijos en otra sociedad muy diferente, la americana. Y cómo condiciona todo eso a ambas partes.

Ese es el telón de fondo que enmarca sus novelas, pero es sólo el punto de partida, porque en realidad Jhumpa Lairi nos habla de cosas pequeñas, sencillas, cotidianas, que tienen que ver con las personas de a pie, es decir, con nosotros, y abarca los temas esenciales sobre los que gira nuestra vida como la familia, el amor, la identidad, las relaciones interpersonales.

Tiene Jhumpa Lahiri un estilo muy personal que a mi me cautiva. “El buen nombre” es el segundo libro que leo de ella. El primero fue “Tierra desacostumbrada”, un libro de relatos, que me encantó y este año ha sacado un nuevo libro, “La hondonada”, que por supuesto pienso leer. Creo que queda claro que me encanta esta escritora.

El buen nombre (The Namesake), se publicó en 2003 y pasó varias semanas en la lista de bestsellers del New York Times. También ha sido llevado al cine, pero no he visto la película, sólo el tráiler y aunque tiene buena pinta, pero dudo que una película pueda transmitir todo lo que transmite el libro, plagado de pequeños detalles.

En esta novela nos cuentan la historia de una familia, la familia Ganguli. Todo comienza con un matrimonio concertado entre Ashoke y Ashima. Él lleva ya un tiempo viviendo en EEUU, realizando allí sus estudios, es ingeniero, y ella se reúne con él después de la boda. Y nos van contando cómo les va, su vida, sus hijos, sus pérdidas, su pena por estar alejados de su familia, su adaptación a la nueva vida, la compra de su primera casa, sus amistades, sus viajes a Calcuta cada dos años…

La historia va rápido al principio centrándose en la pareja, sobre todo en Ashima que es la que peor se adapta y siente más nostalgia sobre lo que han dejado atrás, y posteriormente es su primer hijo el que se convierte en el protagonista principal.

A su hijo le llaman Gógol, un nombre un tanto curioso, igual que es curioso por qué lo eligen y las circunstancias en que lo hacen. Esa parte del libro me hizo sonreír en muchas ocasiones. Todo ocurre porque según una tradición india el nombre del primer hijo lo elige la abuela. Y el nombre elegido viaja por carta, de Calcuta a Estados Unidos, pero esa carta se pierde y nunca llega. Y claro, al niño hay que ponerle un nombre porque de otra manera no pueden darle el alta en el hospital, cosa que no consiguen entender del todo sus padres, puesto que en la India que un niño tenga un nombre no es en absoluto prioritario, que lo que necesita un niño es que le cuiden y le den de comer, y lo del nombre es secundario.

El caso es que con las prisas y sin tiempo para pensar, el que debía haber sido su apodo, acaba siendo su nombre oficial: Gógol. En honor al escritor ruso Nikolái Gógol, ya que Ashoke, su padre, es un gran aficionado a la literatura rusa y porque además cuando en su juventud sufre un accidente de tren que casi le cuesta la vida iba leyendo precisamente a este escritor y considera que de alguna manera le salvó la vida.

Cuando le escolarizan sin embargo, ya han elegido el nombre oficial: Nikhil, pero ya es demasiado tarde porque para el niño, aún pequeño, ese nombre le es ajeno y cuando le preguntan en el colegio cómo quiere que le llamen contesta que Gógol, y sus profesoras así lo hacen, desoyendo la decisión de sus padres.

Y ese niño crece, se hace adolescente, y odia ese nombre que le diferencia, aún más, del resto de sus compañeros. Ese nombre ridículo, que no significa nada para él.

Me encanta la explicación de por qué en la India todas las personas tienen dos nombres, el apodo, y el oficial, por el que te conocen en el colegio, el trabajo, etc. Creo que si hubiera leído este libro antes de tener a mis hijos, ahora tendrían un apodo.

Es de esas partes de un libro que subrayo para no olvidar y leer de vez en cuando.

Además, siempre está el apodo cariñoso, práctica bengalí que garantiza que toda persona tenga dos nombres. En bengalí, apodo es daknam, que significa, literalmente, el nombre con el que los familiares y amigos llaman a alguien, en casa y en momentos privados, íntimos. Los apodos cariñosos son vestigios de la infancia que perdura, recordatorios de que la vida no es siempre tan seria, tan formal, tan complicada, como lo son también de que las personas no son lo mismo para todos. Todo el mundo tiene un apodo. El de Ashima es «Monu», el de Ashoke es «Mithu», y aunque sean adultos son ésos los nombres por los que sus respectivas familias los llaman, los nombres con los que los adoran, los riñen, los echan de menos, los aman.

A medida que Gógol crece nos van contando su historia vital: sus estudios, su adolescencia, sus primeros amores, el alejamiento de sus padres, su comienzo en la vida laboral, etc.

Me encanta cada una de las historias amorosas que vive Gógol. Las lees y vuelves a sentir lo que es estar enamorado, esa experiencia de ir conociendo a la otra persona y sus circunstancias, de ir conociéndote también a ti mismo a través de los sentimientos que te provoca. Echarla de menos de forma casi dolorosa cuando no estás a su lado, y que ocupe la mayor parte de tus pensamientos. Transmitir todo eso, sin que resulte empalagoso o cursi, no es fácil, pero Jhumpa Lahiri lo hace muy bien.

Retrata también muy bien cómo va cambiado la percepción de Gógol respecto a su familia a medida que va abriéndose al mundo, conociendo otras realidades. Los sentimientos encontrados respecto a sus costumbres y su forma de vivir. La sensación de no encajar en ella. El sentir cierta vergüenza por cómo son o cómo se comportan.

De todo eso y mucho más va este el libro. Poco más puedo deciros, salvo recomendaros su lectura. Si decidís leerlo no esperéis una historia espectacular, un libro de saga familiar de esos que abarcan generaciones enteras en los que pasan tantas cosas. Como ya he dicho este libro cuenta cosas muy cotidianas, muy sencillas, pero es un libro muy agradable de leer, que cuando lo terminas lo cierras con una sonrisa y esa historia ya forma parte de ti.

 

IV semana del libro: “Beowulf” de Santiago García y David Rubín, por Lorién.

 BEOWULF

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Título: Beowulf

Autores: Santiago García (guionista) y David Rubín (dibujante)

Editorial: Astiberri

nº páginas: 200.

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La gente cuando habla de este cómic lo sitúa rápidamente en el contexto ese de lo Épico, y tiene razón porque Beowulf es ante todo el cómic de un poema épico. Si os dais una vuelta por el Wikipedia, lo deja claro (aunque el wikipedia tiene metidas de gamba estelares como hacer que Goya pinte un cuadro 10 años después de muerto y cosas así) es un poema épico anglosajón pues del estilo del Cantar del Mío Cid o La canción de Roldán.

En este caso hay que empezar diciendo que los autores del cómic son Santiago García (guionista) y David Rubín (dibujante)

Es de estas historias que podemos encontrar sus influencias pues en gente como Tolkien y como no, ese cine de personajes heroicos de los cincuenta y sesenta, por no decir los primeros pasos de la Industria en Hollywood con esas monumentales producciones. Y precisamente de Tolkien es la traducción más larga que se ha hecho de este poema que como ocurre en estos caso los especialistas no se ponen de acuerdo si es del siglo IX o siglos anteriores, lo que pasa siempre: “el mío más antiguo que ninguno”.

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Voy centrando un poco el argumento: Beowulf cuenta la historia del príncipe del mismo nombre, de cómo acude en ayuda del rey danés Hroogar y derrota a un monstruo llamado Grendel y a su madre. Luego viene el momento del combate final contra un dragón. La obra sobrevivió en un único ejemplar, que está a resguardo en la Biblioteca Nacional de Reino Unido, e inspiró cientos de interpretaciones y novelas posteriores a lo largo de los siglos (esto lo he visto en la página de la Biblioteca os dejo el enlace aunque solo está en inglés. www.bl.uk).

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Vale, y ahora hablamos del cómic. Lo primero que hay que decir que su salida fue impactante para la gente que seguimos el tema de novedades del cómic en España. Es un héroe, si, pero el fin último de sus acciones no es ayudar desinteresadamente a los demás, sino alcanzar la gloria, la fama, perpetuar y trascender al tiempo gracias a sus acciones”. Por otro lado, el trabajo de sus autores ha respetado la estructura del poema antiguo dividido en tres partes y tengo que decir que tanto el guión como los dibujos aportan esa estética que le da mucha personalidad propia, trazos que molan mucho y sobre todo lo que para mí tiene que tener un cómic que es, trazo y color continuados, que un cómic no es hacer fotos ni pintar cuadros.

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Los monstruos tienen también ese toque orgánico, esa sensación de algo diferente a lo humano y eso le hace mogollón de atractivo, porque la diferencia se nota pero en plan bueno.Además el choque entre la parte salvaje del monstruo y la racional humana es brutal y muy bien representada tanto por el guión que mola mucho como por los dibujos de Rubín; creo que la ambientación en rojo es una acierto espectacular.

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Un total de 200 páginas bien trabajadas y que creo que ponen al cómic que se hace aquí en muy buen lugar y eso nos tiene que alegrar; el precio tampoco está mal 25 Euros, que es asequible aunque en los tiempos que corren casi nada ya lo es.

Es inevitable hablar de la peli que Hollywood hizo en 2007, bajo el formato de Animación y dirigida por Robert Zemeckis, trasladando al mundo de la animación de rasgos virtuales a personajes como Angelina Joly y Anthony Hopkins. No debe haber comparaciones con el cómic, porque el formato base es muy distinto y creo que el cómic se acerca más al concepto libro, porque tú tienes que poner de ti para no sé….. crear una parte del paisaje y sensaciones que el dibujante y el narrador de la historia no han puesto en la viñeta, la peli te lo da casi todo hecho.

Por si acaso os he traído el enlace y así por encima sacáis vuestras conclusiones. Sobre todo deciros que el trabajo de Santiago García y David Rubín tiene calidad, también os dejo de sus blogs que para los aficionados del cómic nos son fundamentales.

Y nada que espero que os aficionéis a esto del cómic y si no, pues que siempre podéis quedar de lujo con un regalo a alguien y que gracias por leerme.

UN TROZO DE LA PELI:

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LOS BLOGS DE LOS AUTORES:

http://santiagogarciablog.blogspot.com.es/

http://detripas.blogspot.com.es/

IV Semana del Libro: “La Cúpula Brunelleschi” de Ross King, por Dídac.

 

LA CÚPULA DE BRUNELLESCHI

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El trabajo de Ross King no puede considerarse una novela histórica, sería más un trabajo de tipo historicista aunque tiene grandes dosis de elementos que incitan a la curiosidad y en cierta manera al conocimiento, aunque tampoco es un trabajo histórico al uso; con pluma ágil el autor nos intenta desvelar todos los procesos, sociedad y elementos curiosos que rodearon la magna construcción de la Cúpula de la impresionante Catedral de Florencia, Santa María de Fiore uno de esos grandes proyectos santo y seña del Renacimiento.

Una obra arquitectónica elaborada en el crisol del Renacimiento para muchos historiadores el estilo y periodo de pensamiento donde comienza a elaborarse la historia de la modernidad. El hombre alcanza un protagonismo inusitado tras la atmósfera medieval cargada de glorificaciones al creador, la vuelta a las enseñanzas clásicas no solo en lo meramente estético y creador también en la filosofía como eje de comprensión harán del Renacimiento espacio donde el hombre pasa a tener la vital importancia de la creación y la naturaleza. En este contexto es precisamente la recuperación de ese teorema donde hombre y dificultad se enfrenta en la batalla donde podemos situar este libro, interesante y sobre todo ameno de leer. Quien piense que es un tocho de Historia de la Arquitectura va equivocado. Con cierta soltura King si consigue hacer del libro una sucesión cronológica de datos que resultan agradables y nada aburridos para el lector.

En 1420 Filippo, nombre por el que todo el mundo conoce a Brunelleschi, se hace cargo de las obras de remate de la gran cúpula que cerrará la gran Catedral florentina, encargo, tras una dura y ardua pelea en una concurso público organizado por los rectores de la ciudad y en los que los sistemáticos empates hacía no ver la luz sobre el comienzo de las obras. La historia de arte valora como notable diferencia con otros coetáneos, el gran conocimiento que Brunelleschi tenía de las ruinas romanas, su visita a Roma en 1375 le permitió de primera mano, conocer no solo visualmente la construcción romana, también apreciar distintas técnicas sobre las que el paso del tiempo había arrojado profundas sombras.

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La cuestión de la Cimbra

Una cimbra es un sustento de madera que permite apoyar ladrillos o piedra para la elaboración de arcos, bóvedas o cúpulas, pero la distancia y diámetro del proyecto de Santa María de Fiore hacían imposible la construcción de una cimbra de tales medidas. Así pues, el proyecto de Fillipo, mostraba una audacia que hacía dudar a muchos de los especialistas de la época –hacer la cúpula sin cimbra-. Los cálculos del artista se basaban en la recuperación de una técnica constructiva netamente romana, los llamados Opus y el de uno en concreto: el llamado spicatum o de espina de pez. Con ello, Brunelleschi conseguía un sistema no solo de reparto de cargas si no de elevación que hacia innecesario el empleo de la cimbra. Con la elevación de las hiladas de ladrillo o “Bracias”, se realizaba un anillo de piedra circular que rodeaba el perímetro, la llamada “Cadena”, permitiendo elevarse con los distintos trabajadores suspendidos en un andamiaje que iba creciendo conforme se levantaba la obra. Llegados a este punto y siendo consciente de que me enrollo más que los fideos chinos, plantearé otro elemento de gran atractivo del libro, el repaso meticuloso a las distintas máquinas diseñadas pro Brunelleschi como elementos de ayuda a la construcción y que en algunos casos se convirtieron en el embrión de las modernas grúas habituales hoy en día. Es el caso de artefactos como el llamado de “Tornillo sin fin” que conseguía mediante engranajes el elevar piedras hasta las alturas donde ya los andamiajes permitían su distribución, otra brillante máquina diseñada por el florentino fue el Montacargas con trócola mediante tracción animal. Era imprescindible la elevación de la cal, la arena y los ladrillos para la realización del trabajo. Pero sin duda una de las creaciones en cuanto a maquinaria decisivas de la obra de Santa María de Fiore, fue el llamado “Castello” antecedente del montacargas y que colocado en la parte superior servía a modo de montacargas para realizar una correcta zona de acopios de material.

Hay que reseñar que llegaron a participar un total de 300 trabajadores en el arranque de la obra, los trabajos comenzaron el 7 de Agosto de 1420 a 42 metros justo donde se producía el arranque del tambor de la catedral, el tambor es la parte de pared vertical donde se apoya la cúpula o parte abovedada.

La Cúpula, la Linterna y el descubrimiento de América

La obra de Brunelleschi marcará para la posteridad la imagen de Florencia, y sobre todo será decisiva para la lucha del hombre para con los desafíos técnicos. La medida interior de la Cúpula en el interior de la Catedral es de 100 metros de altura, mientras que en el exterior del suelo a la linterna que la corona será de 114.5 metros.

Como ocurre en la mayoría de los casos Filipo fue tildado de loco cuando presentó su proyecto, y celebrado como el gran artista florentino cuando la Cúpula fue concluida. Quedaba lejos ya su demostración y domino de la perspectiva realizado con un espejo en la puesta de la catedral que ahora coronaba con esta obra cumbre del renacimiento. Años más tarde y con notable retraso por la escasez del mármol blanco, se concluiría la linterna de la cúpula, realizada con notable destreza y con elementos cuyo peso se calcula es el 10% del total de la Cúpula.

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La linterna fue terminada por Michelozzo, pero como solía decir Michael Ende, eso es otra historia, lo cierto que en este apartado hay otro personaje de interés Paolo Toscanelli, quien era considerado unos de los más grandes matemáticos de la época. A Toscanelli se le atribuye la colocación de una placa de bronce en la linterna, que convertía la cúpula en un gran reloj de sol, calculando una forma esférica de la tierra, cuestión que según el autor llegó a Colón después de ser puesta en conocimiento del portugués Enrique el navegante y fuera rechazada por la corte portuguesa. Así King sitúa una relación entre la Cúpula y el descubrimiento de América, aunque como buen anglosajón la pifia a lo grande situando la partida de Colón desde un sitio denominado Cabo de Palos, junto a Cartagena, puestos a inventarse lugar, que bonito hubiera sido salir desde Cuenca aunque no tenga mar.

Título original: Brunelleschi’s Dome. Autor: Ross King

Edición manejada: La primera ( 2002 )

Editorial. Apostrofe: Barcelona

nº páginas: 315

Traductora: María Isabel Merino